INAUGURACIÓN: OSN, Carrasco / Höfele

Tras residir durante varios años en Canadá, país en el que realizó lo esencial de su preparación musical, la compositora mexicana Cristina García Islas radica desde 2017 en la CDMX, donde además de su ininterrumpido trabajo creativo, desempeña labores docentes en la Facultad de Música de la UNAM y en la Escuela de Artes de la Universidad Anáhuac. En 2025 fue mentora en Piso 16, Laboratorio de Iniciativas Culturales de la UNAM y formó parte del comité de selección de obras del Foro Internacional de Música Nueva Manuel Enríquez.

En 2026 es jurado en el Sistema Nacional de Creadores de Artes, al que ella misma pertenece. En estos años, su vínculo con Canadá se ha mantenido sólido; prueba de ello es su regreso a ese país en 2024 para el estreno de su obra Ré_silience.

Su pasión por la música, el legado y la memoria de Johann Sebastian Bach lleva a Cristina García Islas a componer una obra orquestal titulada In memoriam, sobre la cual ha redactado este lúcido y preciso texto:

«In memoriam es una obra sinfónica dedicada a Johann Sebastian Bach, una figura cuya obra continúa iluminando el pensamiento musical contemporáneo. Su extraordinario dominio del contrapunto trascendió la dimensión puramente técnica para convertirse en un medio profundamente expresivo: un espacio en el que distintas voces pueden encontrarse, perseguirse, transformarse y adquirir sentido a partir de su relación con las demás.

La obra toma como punto de partida el Ricercare a 6 de la Ofrenda musical, una de las expresiones más complejas y enigmáticas del arte contrapuntístico bachiano. A partir de su célebre tema, In memoriam construye un discurso propio en que el contrapunto y la imitación conviven con un lenguaje armónico profundamente cromático, grandes masas sonoras, texturas cambiantes y líneas melódicas en evolución constante. Las voces se buscan, se responden, se alejan y vuelven a encontrarse, mientras el material heredado de Bach se fragmenta y transforma hasta integrarse en un paisaje orquestal contemporáneo.

Más que una cita o un homenaje literal, In memoriam propone una evocación de la memoria de Bach desde una mirada contemporánea. Entre claroscuros sonoros, pasajes de intensa densidad y momentos de luminosa transparencia, la obra transita entre la oscuridad y la luz como metáforas de la condición humana y de la memoria misma. El motivo bachiano emerge, desaparece y reaparece entre suspiros, silencios y resonancias, como un recuerdo que nunca termina de extinguirse.

En ese recorrido, In memoriam busca rendir homenaje no solo al legado de Johann Sebastian Bach, sino también a la permanencia de su espíritu creador. Siglos después, su música continúa planteando preguntas, generando nuevas posibilidades y habitando lenguajes muy distintos del suyo. Su voz permanece porque puede transformarse: resuena en el presente no como una reliquia del pasado, sino como una materia viva capaz de seguir dialogando con nuestro tiempo».

El 7 de mayo de 1747, Johann Sebastian Bach (1685-1750) visitó el palacio de Sanssouci en Potsdam, donde su hijo Carl Philipp Emmanuel (1714-1788) estaba empleado como clavecinista. La visita le permitió al viejo Bach encontrarse con el monarca, Federico II de Prusia, alias Federico el Grande, rey melómano que había adquirido unos fortepianos construidos por Gottfried Silbermann. Claro, la visita pronto se centró en esos instrumentos, y en algún momento Bach pidió a Federico que le diera un tema para improvisar. Dicho y hecho: el rey le dio un sencillo tema musical, Bach se sentó ante uno de los fortepianos de Silbermann e improvisó una fuga sobre el tema, conocido después como el Tema Real. Poco después, Bach obsequió a Federico el Grande una serie más elaborada de cánones y fugas sobre su tema, obra conocida como Ofrenda musical BWV 1079, una de las obras más abstractas, rigurosas y especulativas del gran chantre de la iglesia de Santo Tomás de Leipzig. Tal es el origen de la obra barroca que Cristina García Islas toma como referencia para su pieza orquestal In memoriam.

La compositora envía la partitura a la convocatoria 2026 del Foro Internacional de Música Nueva Manuel Enríquez, y su obra es elegida para formar parte de su programación, el más importante ciclo de música contemporánea de México. Así, In memoriam recibe su estreno absoluto el 6 de noviembre de 2026 con la Orquesta Sinfónica Nacional dirigida por Ludwig Carrasco.

Juan Arturo Brennan

En un escueto perfil biográfico de Bernd Alois Zimmermann trazado por Marion Rothärmel se lee que uno de los elementos fundamentales en su pensamiento musical fue el empleo de citas diversas, tejidas cuidadosamente al interior de sus texturas atonales. Más adelante, Rothärmel especifica:

«Zimmermann aplicó su conocimiento de las conexiones y los contrastes históricos en sus obras, abrevando particularmente en la filosofía católica medieval, en la literatura de Esquilo y Dante a Dostoievski y Mayakovski, Pound y Joyce, y en la música del renacimiento hasta el siglo XX, pero más que nada en Bach, Mozart y Debussy».

La misma musicóloga hace otra observación, ciertamente valiosa; afirma que la ópera de Zimmermann Die Soldaten (Los soldados), creada entre 1958 y 1964, es la ópera alemana más importante después de Wozzeck (1925) y Lulu (1937), las grandes óperas de Alban Berg (1885-1935).

Si bien el catálogo de Zimmermann no es muy amplio, sí es muy variado: óperas, ballet, música orquestal, obras vocales, de cámara, instrumentales, para cinta magnética, música incidental para teatro, partituras para la radio, etc. La sección de música concertante del catálogo de Bernd Alois Zimmermann es especialmente rica: compuso sendos conciertos para orquesta, cuerdas, violín, trompeta, dos para violonchelo, uno para dos pianos, y Antífonas para viola y pequeña orquesta.

Nobody Knows the Trouble I’ve Seen (Nadie conoce la tribulación que he visto) es un spiritual afroamericano cuya primera publicación se localiza en 1866, aunque se sabe que es muy anterior. La lista de intérpretes que lo han cantado y/o grabado es notable: Louis Armstrong, Lena Horne, Mahalia Jackson, Paul Robeson, Marian Anderson, Harry James, Sam Cooke, entre muchos otros. Este famoso spiritual ha tenido innumerables presencias en la cultura popular, sobre todo en los Estados Unidos, e incluso algunos compositores académicos de ascendencia africana la han incorporado a su música de concierto, entre ellos Samuel Coleridge-Taylor (1875-1912) y Florence Price (1887-1953). Con un ligero pero significativo cambio en el título, Bernd Alois Zimmermann compuso un Concierto para trompeta al que designó Nobody Knows the Trouble I See (Nadie conoce la tribulación que veo), en el que la referencia al canto espiritual original está señalada por el contenido de blues y jazz de la obra. De hecho, la orquestación misma, que incluye guitarra, piano y órgano Hammond, está orientada por el compositor hacia una expresión específicamente jazzística, en particular en instrumentos como el clarinete, la trompeta, el saxofón, el trombón y la percusión.

Si bien Nobody Knows the Trouble I See está concebida en un solo movimiento, su continuidad fluye en secciones bien definidas e identificables. Inicia con una extensa sección lenta y oscura en la que la trompeta solista suena con sordina y se enfrenta a complejos saltos de registro. Viene después una sección viva en la que el compositor propone ágiles figuras repetidas para el solista, retadoras por igual para los dedos y la embocadura. La siguiente sección es introducida por el añejo sonido del órgano Hammond, y aquí el ambiente es claramente jazzístico, tanto en la trompeta solista como en los instrumentos que fungen como sus cómplices. Viene a continuación una sección lírica y expresiva, con algunas cualidades cantables, en la que probablemente se encuentre la referencia directa al spiritual original. Esta sección concluye con una coda contemplativa en la que la trompeta solista, de nuevo con sordina, se pierde en un murmullo.

Bernd Alois Zimmermann compuso Nobody Knows the Trouble I See entre 1953 y 1954, por encargo de la Orquesta Sinfónica de la Radio del Norte Alemán, y el estreno del concierto ocurrió el 10 de octubre de 1955 en Hamburgo con ese conjunto, dirigido por Ernest Bour, y el legendario trompetista checo-alemán Adolf Scherbaum como solista. Por cierto, la orquesta fue conocida con ese nombre hasta 2016 y, a partir de entonces, es la Orquesta Filarmónica del Elba, o Elbphilharmonie. Zimmermann le dedicó la partitura a Ernest Frice. El estreno en México del 6 de noviembre de 2026 es con Simon Höfele en la trompeta y la Orquesta Sinfónica Nacional dirigida por Ludwig Carrasco.

Juan Arturo Brennan

Enero, 2019. La gran compositora finlandesa Kaija Saariaho asiste en Los Ángeles al estreno de Trans, su Concierto para arpa, con Xavier de Maistre como solista y la Filarmónica de Los Ángeles dirigida por otra gran mujer de la música de Finlandia, Susanna Mälkki. Después del estreno, la compositora viaja por tierra hacia San Diego, y en el trayecto toma conciencia de los paisajes cambiantes por los que va transitando, paisajes llamados también «vistas». La experiencia le sugiere música, y el complemento es su deseo de escribir una obra puramente orquestal, sin solistas, para Susanna Mälkki. La conjunción de todos estos elementos es su partitura sinfónica titulada Vista.

Esta poderosa obra se caracteriza por un detallado trabajo tímbrico, en el que los instrumentos de percusión proveen colores fantásticos. Hay aquí una gran riqueza de resonancias e interferencias, surgidas sin duda del conocimiento (y práctica) de Saariaho de las técnicas de la música espectral. Sobre todo en su primera parte, Vista se percibe como un amplio continuum sonoro en constante transformación.

La primera parte de Vista, titulada Horizons (Horizontes) se caracteriza por un discurso fluido, como una serie de oleajes sonoros de coloración iridiscente. La segunda parte, Targets (Blancos) se sustenta en un discurso más potente, más acentuado y de dinámicas más extremas, sin desatender las propuestas tímbricas de Horizons. En sus últimas páginas, sin embargo, Targets vuelve a una expresión más fluida, semejante a la de la primera parte de la obra, y concluye en una expresión de tensa calma, expertamente coloreada por la compositora. Sobre el contraste entre ambas secciones de Vista, Kaija Saariaho escribió:

«Mientras que Horizons está basada en líneas y texturas abstractas, Targets es más tensa y dramática, con mucha energía física. La construcción formal de la pieza está basada en las distintas maneras de variar el reducido material musical».

El ensamble orquestal planteado por Saariaho en Vista, de dotación no del todo convencional, consta de tres flautas y piccolo, tres oboes y corno inglés, tres clarinetes y clarinetes bajo, tres fagotes y contrafagot, cuatro cornos, cuatro trompetas, tres trombones, tuba, timbales, tres percusionistas y cuerdas. Respecto a su orquestación, la compositora comentó lo siguiente:

«Quise ponerme un reto y deliberadamente dejé fuera algunos de mis instrumentos favoritos en el contexto orquestal, como el arpa, el piano y la celesta. También elegí colores variados en la sección de maderas a tres, dándoles un lugar más prominente que lo usual. Estas decisiones hicieron que el proceso de composición fuera retador, ya que me forzaron a encontrar nuevas formas de expresarme con la orquesta. Pero después de una paciente búsqueda, encontré una sonoridad fresca que está más claramente definida sin las resonancias unificadoras del arpa y el piano, de modo que las líneas individuales y las texturas de los instrumentos de aliento son más prominentes».

La compositora finlandesa compuso la obra en respuesta a un encargo conjunto de la Orquesta Filarmónica de Helsinki, la Orquesta Filarmónica de Berlín, la Orquesta Filarmónica de Oslo y la Asociación Filarmónica de Los Ángeles. El estreno absoluto de Vista ocurrió el 12 de mayo de 2021 en Helsinki, con la Orquesta Filarmónica de Helsinki dirigida por Susanna Mälkki. La obra se escucha por primera vez en México el 6 de noviembre de 2026, con la Orquesta Sinfónica Nacional dirigida por Ludwig Carrasco.

Juan Arturo Brennan