Black Noise & Victoria Amaro

Fue un compositor estadounidense que transformó la experiencia musical en un ritual sonoro de misterio y magia. Perteneciente a la vanguardia del siglo XX, desarrolló un universo único donde el timbre, el silencio y la teatralidad cobran protagonismo. Su obra más célebre, Black Angels (1970), escrita para cuarteto de cuerdas amplificado, es un descenso a las tinieblas de la guerra de Vietnam que utiliza instrumentos raspados, voces susurradas y cuencos de cristal. En Makrokosmos explora el piano desde dentro, punteando las cuerdas e insertando papeles para evocar un cosmos mágico. Crumb no solo escribía notas; creaba atmósferas. Su música, profundamente influenciada por la poesía de Lorca, es frágil, visceral y onírica. Un viajero sonoro que encontró lo eterno en lo diminuto.

Compositora e intérprete mexicana, cuyo trabajo se centra en la exploración de la música clásica contemporánea, el jazz contemporáneo, la improvisación libre y el postespectralismo. Su práctica instrumental, tanto en piano como en clavecín, nutre su lenguaje compositivo, permitiéndole explorar las posibilidades expresivas de cada instrumento con sensibilidad y rigor. Además de su obra académica, desarrolla el proyecto alterno María Morfeo, un espacio donde investiga formas contemporáneas de improvisación y experimentación sonora dentro del poliestilismo, integrando texturas acústicas y electrónicas. Su trabajo refleja un diálogo constante entre tradición y exploración sonora, consolidando un enfoque meticuloso sobre forma, timbre y dinámica, y ampliando las fronteras de su lenguaje compositivo dentro de la música contemporánea.

Fue una voz destacada de su generación de compositores, tanto en su país natal como en todo el mundo. Estudió composición en Helsinki, Friburgo y París, donde residió desde 1982 hasta su muerte. Sus estudios e investigaciones en el IRCAM, el centro parisino de experimentación electroacústica, tuvieron una gran influencia en su música, y sus características texturas exuberantes y misteriosas se crearon a menudo combinando la interpretación en vivo con la electrónica. Expandió gradualmente su expresión musical a una gran variedad de géneros, y sus piezas de cámara y música coral se han convertido en piezas clave de conjuntos instrumentales y vocales, respectivamente.

En 1978 ingresó a la Escuela de Bellas Artes de la Universidad Autónoma de Chihuahua y en 1980 ingresó al Conservatorio Nacional de Música (CNM) bajo la tutela de Salvador Jiménez y Gonzalo Ruiz Esparza. En 1984 fue admitido por Mario Lavista en su taller de composición. De 1989 a 1991 fue becado por la Universidad Carnegie Mellon en Pittsburgh para cursar la Maestría en Composición bajo la tutela de Leonardo Balada. Fue titular de las cátedras de Composición, Análisis, Armonía e Instrumentación del CNM y del Conservatorio del Estado de México. Desde 2000 fue miembro del Sistema Nacional de Creadores de México.

Nació en Los Ángeles. Estudió con Henry Cowell y Schoenberg. Sus primeras composiciones publicadas, en un riguroso sistema atonal propio, datan de este período. En 1937 se trasladó a Seattle y allí fundó una orquesta de percusión; su música evolucionó entonces hasta llenar unidades de tiempo con ostinatos. También comenzó a utilizar dispositivos electrónicos e inventó el piano preparado, que consiste en colocar diversos objetos entre las cuerdas de un gran piano para crear una orquesta de percusión eficaz bajo el control de dos manos. Durante este período, Cage se interesó en las filosofías orientales, especialmente el Zen. En busca de eliminar la elección creativa de la composición, usó lanzamientos de monedas para determinar los eventos e introdujo otras técnicas indeterminadas.

Originario de Ocotlán, Jalisco, fue una figura fundamental de la vanguardia musical en México. Se formó con Áurea Corona y Miguel Bernal Jiménez, perfeccionándose después en la Juilliard School con Ivan Galamian y Peter Mennin. En 1961, gracias a la beca Guggenheim, incursionó en la música electrónica en Columbia y Princeton bajo la guía de Stefan Wolpe. Como violinista, fue concertino de la Sinfónica de Guadalajara y fundó el célebre Cuarteto México, con el que realizó giras por Europa y América. Su labor docente y administrativa fue vasta: dirigió el Conservatorio Nacional y el Cenidim, donde impulsó la investigación electroacústica y virreinal. En 1979 fundó el Foro Internacional de Música Nueva (que hoy lleva su nombre), espacio vital para la difusión de la creación contemporánea. Distinguido como Creador Emérito y miembro de la Academia de Artes, su legado permanece como pilar de la identidad musical mexicana del siglo XX.

Fue una voz destacada de su generación de compositores, tanto en su país natal como en el mundo entero. Estudió composición en Helsinki, Friburgo y París, donde residió desde 1982 hasta su muerte. Sus estudios e investigaciones en el IRCAM, el centro parisino de experimentación electroacústica, tuvieron una gran influencia en su música, y sus características texturas exuberantes y misteriosas se crearon a menudo combinando la interpretación en vivo con la electrónica. Expandió gradualmente su expresión musical a una gran variedad de géneros, y sus piezas de cámara y música coral se han convertido en piezas clave de conjuntos instrumentales y vocales, respectivamente.

Es un flautista, improvisador, compositor y docente mexicano cuyo trabajo explora los territorios fronterizos entre improvisación, notación musical y creación colectiva. Es miembro de Generación Espontánea y Liminar. Ha realizado más de cuatrocientos estrenos mundiales, escrito más de ochenta composiciones y grabado más de cincuenta álbumes, ocho de ellos como solista o líder. Ha presentado su trabajo en 22 países. Es coorganizador de la Semana Internacional de Improvisación en Ensenada, su ciudad de origen, y profesor de tiempo completo en la University of California San Diego.

Fue una de las figuras más enigmáticas, visionarias y tardíamente reconocidas de la música vanguardista del siglo XX. Su obra representa una ruptura radical con la tradición occidental, al centrar su universo creativo no en la melodía ni en la armonía, sino en el sonido en sí mismo, en su espesor, su microtonalidad y su capacidad de transformación interior. Tras una crisis mental y física severa en la década del cuarenta, Scelsi encontró refugio en el piano, obsesionándose con la reiteración de una sola nota. Esta experiencia mística y terapéutica lo llevó a percibir el espesor de la nota, descubriendo un universo de armónicos y microtonos inexplorado. Abandonó las técnicas de composición convencionales para adoptar un enfoque cuasi místico, influenciado por la filosofía oriental, donde él se consideraba más un transmisor que un compositor. La obra de Scelsi se caracteriza por la inmovilidad aparente, una paradoja donde la música cambia.