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Foro Internacional de Música Nueva Manuel Enríquez

Monterrey: Q-SION, percusiones

Escuela Superior de Música y Danza, Sala Chopin, Monterrey, Nuevo León

4 estrenos mundiales y 1 estreno en México

Programa

Jesús Bernal Cabello

Daniel Muñoz-Alférez

Charles M. Champi

Germán L. Vargas

Rodrigo Zárate Marfil

Manuel Enríquez

Kaija Saariaho

Q-SION Ensamble de Percusiones
Gustavo Villegas Gámez
Eusebio Alejandro Sánchez González
Celina Hernández Montalvo
Alondra María Ayala González
Abel Gerardo Gómez Rodríguez
Samuel Alejandro Reyes Guzmán
Rodrigo Zárate Marfil

* Estreno mundial · ** Estreno en México

Personas compositoras

Jesús Bernal Cabello

Jesús Bernal Cabello

México, 1995

Nació en la Ciudad de México. Egresó del Conservatorio Nacional de Música, donde estudió con Armando Luna, Juan Fernando Durán e Itziar Fadrique y tomó clases con Juan Cristóbal Cerrillo. Entre 2016 y 2018 asistió como oyente al Laboratorio de Creación Musical de Julio Estrada. En 2023 recibió la beca Jóvenes Creadores del SACPC para componer El clave mal temperado. Es integrante del Proyecto Ars Nova, con el que ha participado en el álbum Maja Bhuta para violín solo, en el ciclo Re-Cordare de Anna Margules y en los proyectos Música comunitaria y Habitar la ruina, ambos apoyados por Ibermúsicas. Desde 2023 trabaja como dibujante musical en el Cenidim y cursa la maestría en la UNAM con el proyecto Al féretro elegante, en colaboración con Tramas. Actualmente desarrolla Astrolabio cromático con apoyo del SACPC.

Nota al programa Estás

El título de la obra es un acertijo. La obra parte de la idea de que todo sonido es producto de una acción física y, a partir de allí, explora exhaustivamente distintos tipos de contacto entre las manos y las membranas de los instrumentos (timbales y bombo). La obra en sí misma busca la interacción escénica del instrumento con el ejecutante, algo dejado de largo durante los conciertos convencionales.

Daniel Muñoz-Alférez

Daniel Muñoz-Alférez

México, 1983

Originario de Querétaro, inició su formación musical desde temprana edad, influenciado por su padre y su hermano. Comenzó en el piano y posteriormente en el órgano tubular, desarrollando tanto la interpretación como la improvisación, lo que lo llevó a la composición. Con más de tres décadas de trayectoria, ha incursionado en la música académica, el jazz, proyectos cinemáticos y música comercial. Es egresado en composición por el London College of Music de la University of West London. Ha complementado su formación con Axel Retif e Ignacio Baca Lobera y ha trabajado como docente y productor musical, además de ofrecer servicios de ingeniería de audio.

Nota al programa Ternasonantia

Terna, refiriéndose a la propuesta de tres posibles líderes, y sonancia, resultado sonoro del grupo, juntos forman el título y la descripción de la pieza. La interacción entre los acentos binarios y no binarios y la mezcla de rítmicas libres y específicas, desarrollan la sensación del pulso controlado, pero, deliberadamente retado por la expresión libre que más que pelear, enriquece la textura. Aunque algunos otros elementos son introducidos, sirven más como decoración a esa atmósfera sin convertirse en el centro de atención. Una coda meditativa borra los rastros del diálogo entre el ritmo controlado y el libre, llevando todo a un final inesperado.

Charles M. Champi

Charles M. Champi

México, 1988

Ha asistido a cursos y clases con Carola Bauckholt, Franck Bedrossian, Peter Ablinger, Clara Iannotta e Isabel Mundry. Ha participado en los festivales Mixtur 2016 en Barcelona, BTzM 2017 en Austria, ManiFeste 2021 en Francia, Tchaikovsky City 2024 en Rusia y Barcelona Modern 2025. Su música ha sido interpretada en México, Francia, Alemania, Italia, Portugal, Rusia, España y Corea del Sur por agrupaciones como Achrome Ensemble, Cepromusic, Ensemble InterContemporain, Kommas Ensemble, Low Frequency Trio, Manufaktur für Aktuelle Musik, Retro Disco, Taller Sonoro y Trío Siqueiros. Su trabajo se centra en la filosofía de la música, especialmente en la relación entre música y lenguaje. Realizó la Maestría en Composición en la UNAM con Pablo Silva y actualmente publica con Babel Scores. Es fundador y coordinador del Ensamble Piñata en llama.

Nota al programa The Freytag Set

Se basa en la pirámide de Freytag para analizar las obras de teatro de Shakespeare. Freytag define una función para los cinco actos de la tragedia, lo cual resultó interesante al momento de componer la pieza, ya que esta estructura difiere de la forma aristotélica de tres partes y se vincula con un autor de gran relevancia personal. Se establecen así cinco momentos: un estado inicial, una complicación, un clímax, una relajación y un nuevo estado. En esta obra no hay una narrativa explícita, pero sí relaciones formales entre los distintos eventos sonoros, donde el drama surge de su interacción. La obra fue finalista en el Concurso de Composición para Cuarteto de Percusiones del Ensamble Safa en 2022.

Germán L. Vargas

Germán L. Vargas

México, 1989

Graduado con mención honorífica de la Licenciatura en Composición musical por la Universidad Autónoma de Querétaro, estudió con Ignacio Baca Lobera y Juan José Bárcenas. Paralelamente asistió a cursos y talleres impartidos por Michael Pisaro, Germán Romero, José Luis Hurtado, Juan Sebastián Lach, Javier Torres Maldonado y Marisol Jiménez. Su trabajo incluye obras para solista, ensamble, orquesta, música mixta y acusmática, interpretadas en México, Costa Rica, Argentina, Polonia, Portugal y España. Su música ha sido presentada por intérpretes y agrupaciones como Wilfrido Terrazas, José Manuel Alcántara, Iván Manzanilla, Josetxo Silguero, Low Frequency Trio, Duplum, Ensamble Noodus-Cromano, Liminar, Cepromusic, Nosense Ensamble Vocal, Cuarteto 8xRadio, Ludwig e Irene Carrasco, la Orquesta Filarmónica de Querétaro y Vertixe Sonora.

Nota al programa Is the Closest Star Closed?

¿Está cerca la estrella más cercana? Es una exploración sonora de la distancia percibida, física, emocional y cósmica. El título sugiere una paradoja: lo que parece cercano puede ser inalcanzable, mientras lo distante puede resonar íntimamente en nosotros. La obra propone un diálogo entre dos percusionistas que orbitan entre sí, creando un espacio donde proximidad y lejanía se redefinen mediante timbre, resonancia y silencio. Los materiales, metales, membranas, maderas y texturas extendidas actúan como cuerpos celestes que emiten pulsos y sombras sonoras. El lenguaje rítmico alterna entre tensión y momentos suspendidos donde el tiempo parece dilatarse. La interacción es rítmica, espacial y energética, exigiendo escucha y precisión. Más que representar una estrella, la obra cuestiona nuestra noción de cercanía y distancia. La percusión es también eco, aliento y luz dentro del silencio.

Rodrigo Zárate Marfil

Rodrigo Zárate Marfil

México, 1989

Es un compositor y percusionista especializado en música para escena, danza contemporánea y proyectos interdisciplinarios. Su práctica se sitúa en el cruce entre sonido, cuerpo y tecnología, donde la música electroacústica, los sistemas electrónicos en tiempo real y el espacio escénico funcionan como elementos dramatúrgicos. Su trabajo concibe el sonido más allá del acompañamiento: como un elemento central en la construcción de la obra, un organismo activo dentro del acontecimiento escénico. El sonido dialoga con el movimiento, la imagen y el espacio, generando paisajes que amplían la experiencia coreográfica. Mediante live electronics, procesamiento en tiempo real y composición espacial, desarrolla universos sonoros sensibles que responden al cuerpo en escena y a procesos colaborativos.

Nota al programa Tlaltecuhtli

Utilizando como elemento principal el sonido de una laja de piedra al ser golpeada y frotada con diversos objetos, la pieza se divide en dos movimientos y explora distintas velocidades de pulsos simultáneos mediante líneas métricas individuales para cada integrante. En el primer movimiento se investigan timbres al golpear la piedra con rocas y frotar metales y vidrio. El material se organiza en bloques que alternan entre secciones rítmicas y texturas continuas, manteniendo un pulso común en todo el ensamble. En el segundo movimiento surgen pulsos independientes: cada ejecutante acelera y desacelera su propio tiempo, generando una masa sonora que se sincroniza y desfasa, formando gestos a través de la interacción. Los sonidos son claros para distinguir las distintas capas temporales.

Manuel Enríquez

Manuel Enríquez

México, 1926-1994

Originario de Ocotlán, Jalisco, fue una figura fundamental de la vanguardia musical en México. Se formó con Áurea Corona y Miguel Bernal Jiménez, perfeccionándose después en la Juilliard School con Ivan Galamian y Peter Mennin. En 1961, gracias a la beca Guggenheim, incursionó en la música electrónica en Columbia y Princeton bajo la guía de Stefan Wolpe. Como violinista, fue concertino de la Sinfónica de Guadalajara y fundó el célebre Cuarteto México, con el que realizó giras por Europa y América. Su labor docente y administrativa fue vasta: dirigió el Conservatorio Nacional y el Cenidim, donde impulsó la investigación electroacústica y virreinal. En 1979 fundó el Foro Internacional de Música Nueva (que hoy lleva su nombre), espacio vital para la difusión de la creación contemporánea. Distinguido como Creador Emérito y miembro de la Academia de Artes, su legado permanece como pilar de la identidad musical mexicana del siglo XX.

Nota al programa Políptico

Es una obra para ensamble de percusiones situada en el contexto de la música contemporánea de México de finales del siglo XX. En esta pieza Enríquez demuestra una escritura rigorosa y controlada, maneja con precisión secuencias, instrumentación y dinámicas dentro de la partitura. Aunque comparte con otras obras del ámbito percusivo una preocupación por la exploración sonora, Políptico se distingue por su estructura detallada y dominio formal, donde cada elemento está cuidadosamente organizado para lograr una expresividad específica dentro de un lenguaje percutivo moderno. La obra pertenece a una etapa madura de Enríquez en la que combina técnicas contemporáneas con una escritura clara y exigente para los intérpretes, aportando así una contribución significativa al repertorio mexicano para percusiones.

Kaija Saariaho

Kaija Saariaho

Finlandia, 1952 – Francia, 2023

Fue una voz destacada de su generación de compositores, tanto en su país natal como en el mundo entero. Estudió composición en Helsinki, Friburgo y París, donde residió desde 1982 hasta su muerte. Sus estudios e investigaciones en el IRCAM, el centro parisino de experimentación electroacústica, tuvieron una gran influencia en su música, y sus características texturas exuberantes y misteriosas se crearon a menudo combinando la interpretación en vivo con la electrónica. Expandió gradualmente su expresión musical a una gran variedad de géneros, y sus piezas de cámara y música coral se han convertido en piezas clave de conjuntos instrumentales y vocales, respectivamente.

Nota al programa Trois Rivières

Es una obra que refleja su característico interés por la exploración del timbre y las texturas sonoras. La pieza está estructurada en tres movimientos que evocan el fluir y la convergencia de ríos, utilizando técnicas contemporáneas como microtonalidad, heterofonía y capas sonoras superpuestas. Saariaho combina instrumentos acústicos con efectos tímbricos complejos, logrando un paisaje sonoro que alterna momentos de calma etérea y densidad intensa, donde cada sonido adquiere significación propia. La obra no busca la melodía tradicional, sino un diálogo entre colores y movimientos internos del sonido, característica central de la compositora finlandesa. Trois Rivières ejemplifica su enfoque poético y sensorial, mostrando cómo la música contemporánea puede transformar la percepción del tiempo, el espacio y la energía musical en un flujo continuo, evocando la naturaleza y el agua como símbolos sonoros.

Intérprete

Q-SION

Q-SION

Ensamble de percusión contemporánea fundado en 2018 en Nuevo León. Integrado por nueve percusionistas y un artista sonoro, se distingue por su enfoque en la tecnología, la interdisciplina y la creación de nuevo repertorio. Ha comisionado más de cincuenta obras y cuenta con un acervo de más de ciento cincuenta instrumentos, incluyendo elementos de postlutería y culturas no occidentales. Ha participado en los festivales PASIC de Estados Unidos, FIMNME e Internacional Santa Lucía. Su actividad incluye conciertos educativos, proyectos audiovisuales, performance y colaboración con artistas visuales, dancísticos y escénicos. Q-SION ha recibido apoyos de Conarte, Ibermúsicas y la Secretaría de Cultura de México, y ha sido reconocido por su trabajo de gestión cultural y compromiso con las comunidades.

© Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura. México, 2026.

Créditos y directorio