Coro de Madrigalistas de Bellas Artes: Cadet

Es una obra para coro mixto a cappella nacida durante la pandemia de COVID-19 y concebida originalmente para un coro virtual. Escrita especialmente para el Coro Staccato, bajo la dirección de Marco Ugalde, fue creada para su estreno en el Festival Digital El Aleph de la UNAM en 2020. El texto y la concepción visual fueron desarrollados en colaboración con el dramaturgo y escritor alemán Martin Mutschler, mientras que el concepto artístico contó con la colaboración del dramaturgo letón Evarts Svilpe. La obra reflexiona sobre el aislamiento, la incertidumbre y la solidaridad entre Europa y América Latina, proponiendo una imagen de la humanidad como un solo organismo que, después de la crisis, puede volver a encontrarse, respirar y renacer colectivamente.

«Una de las oraciones más antiguas y universales de la liturgia cristiana, presentada como una pieza que fingirá ser parte de una misa brevis, cuyo Agnus Dei ya tuvo su estreno en 2025 en la Catedral Metropolitana de la Ciudad de México. Pareciera que todo lo que principia, anuncia algo claro y conciso, pero esta regla se puede romper, presentando armonías cuya resolución no corresponde a los cánones diatónicos, pero que, por momentos, llega a poseer una textura muy clara. Pese a que el estado de ánimo general de esta pieza es de carácter contemplativo, no se deja de usar el recurso de cambio de tempo para indicar ciertas fases de la pieza, de modo que sea usado como recurso para llegar a una coda, cuyo final, sí es resolutivo».

La obra utiliza un fragmento de texto del Libro de Job que explora temas como la luz y las estrellas. La pieza empieza de manera muy tranquila para representar los inicios de la creación del mundo. Las texturas crecen hasta llegar a un clímax cuando todas las voces se combinan al unísono para representar la energía y vitalidad descritas en el texto con la frase «las criaturas celestes gritaban en regocijo». La obra fue encargada por Choir and Organ Magazine en Reino Unido para el coro de la Universidad de St. Andrews en Escocia, en 2019. En 2024, la obra fue galardonada con el premio Her Voice de Chicago a Cappella en Estados Unidos y recibió su estreno en dicho país por el mismo coro.

«Admiradora de la poesía de José Gorostiza, importantísimo poeta tabasqueño integrante del grupo de los Contemporáneos durante la primera mitad del siglo XX, cuya obra tiene cualidades particularmente musicales, me di a la tarea de tomar tres de sus poemas con temas marinos: “La orilla del mar”, “La tarde” y “Pescador de luna”, para hacer este ciclo de canciones para coro a cappella. Más que ilustrar o acompañar las imágenes poéticas de Gorostiza, que son completamente autosuficientes, mi intención fue crear para cada poema un universo musical paralelo, en el que las palabras y la música pudiesen reflejarse mutuamente, construyendo resonancias en la imaginación del escucha y generando un tercer discurso en el que la poesía y la música se fundiesen en una sola entidad. La obra fue premiada en el Segundo Concurso Nacional de Composición Coral 1998, que otorga el Sistema Nacional de Fomento Musical y el Fonca y grabada en el CD La Noche por The Gregg Smith Singers bajo el sello Newport Classic, Ltd. en 2001».

Nació en la frontera de dos culturas, de dos naciones, México y Estados Unidos de América, y también de dos disciplinas que dialogan entre sí: la poesía y la música. El poema da vida a la herida abierta de una ciudad fronteriza donde las mujeres viven con el temor constante a la violencia, donde el río es el límite, el muro líquido que divide el desierto entre dos mundos. De un lado lo llaman Bravo; del otro, Grande. Sus aguas, reducidas y silenciosas, borran ambos nombres. Fluyen lentamente y mojan las espaldas de quienes lo cruzan tratando de encontrar una salida al abandono. Gabriela Ortiz recrea con su música esta atmósfera en la que convergen sentimientos de desolación y esperanza. Evoca el constante ir y venir del aire, los pasos de mujeres valientes, el sonido de los huesos enterrados en la arena, pero también el viento cuando entra y limpia el polvo, la claridad del sol. La música de Ortiz, inspirada en el poema, fluye como una oración interminable, como una ola de canto melismático que lleva consigo el ritmo y la mirada de las mujeres de Ciudad Juárez. Sus pensamientos transitan entre el terror y las sonrisas. Un violín, una mezzosoprano y seis copas de cristal cantan los susurros de estas mujeres, el miedo contenido en sus oraciones, sus sueños y sus pesadillas, que yacen al pie de la frontera. Contemporánea y al mismo tiempo ancestral como el desierto, mística como el canto del agua, Río Bravo es el eco de las voces de esa tierra árida, dividida en dos por un río, como un gran muro de agua. La versión para coro mixto fue encargada por Donald Nally, director del ensamble coral The Crossing en 2024.

Mónica Sánchez Escuer

«Ante la mirada de las estrellas las civilizaciones y las vidas humanas son breves como los son las flores para nosotros. Pero las estrellas también son finitas y son también fugaces ante ojos más grandes. Este fenómeno concéntrico se repite ascendente y descendentemente, abriendo miles de realidades a escala entre ellas, todas intensas y enormes en su propio escalón. Sumado a esto los límites existen y nada dura eternamente, el tiempo destruye todo, pero la vida también engendra nueva vida de forma continua, haciendo que cada realidad esté en constante movimiento y transformación. Esta es la sabiduría comunicada por el demonio goético Raum. La letra de la obra está escrita en angélico, idioma oculto con pocas palabras reveladas y gramática desconocida. Con el material disponible escribí un poema sobre el Tiempo, la percepción del Tiempo y las realidades concéntricas».

«Fue comisionada por la Universidad de Yale para ser interpretada por el Yale Glee Club durante su gira por México en 2017–2018. La obra parte del poema homónimo de Sor Juana Inés de la Cruz, una reflexión en torno a la esperanza y al carácter engañoso que esta puede adquirir para quien se aferra constantemente a ella. Frente a la seducción de una esperanza idealizada, Sor Juana adopta una mirada lúcida y profundamente realista: reconoce su atractivo, pero también la ilusión que encierra. Este contraste constituye el eje de la composición. Musicalmente, busqué oponer una visión expresiva, expansiva y por momentos casi romántica de ese mundo fantástico de la esperanza a episodios más sobrios y oscuros, asociados con la mirada crítica y realista del poema. A lo largo de la obra alternan, así, pasajes construidos mediante acumulaciones de densidad armónica, cercanas al cluster, con secciones de escritura contrapuntística. Poco antes del clímax, el discurso adquiere un carácter marcadamente romántico, aunque atravesado por sonoridades contemporáneas, como si por un instante la música se abandonara por completo a la promesa de la esperanza. Sin embargo, la obra no concluye en esa exaltación. Su final se repliega hacia una sonoridad tenue, sostenida por armonías escuetas y misteriosas que nos devuelven a una realidad más incierta y despojada: la de un mundo que, a veces, insiste en buscar una esperanza que quizá no existe».

Compuesta en 1946, durante el segundo año de estudios de György Ligeti en la Academia de Música de Budapest, Magány (Soledad) es una breve obra para coro mixto a cappella sobre un poema de Sándor Weöres. Pertenece al periodo húngaro temprano del compositor, una etapa en la que la escritura coral tuvo una presencia importante en su producción. El propio Ligeti señaló como decisiva la influencia de las obras corales de Béla Bartók y Zoltán Kodály, junto con la experiencia adquirida cantando regularmente en conjuntos corales. En Magány, la atención al ritmo, la sonoridad y las cualidades expresivas del texto de Weöres revela ya un especial interés por la relación entre lenguaje y escritura vocal, aunque la obra permanece todavía vinculada a los modelos estilísticos de su primera etapa.

Éjszaka (Noche) y Reggel (Mañana) fueron compuestas en Budapest en 1955 sobre dos poemas breves de Sándor Weöres. Ligeti las concibió como dos piezas estrechamente relacionadas, integrantes de una misma composición: Éjszaka evoca una atmósfera nocturna, estática y misteriosa, mientras que Reggel presenta una imagen mucho más animada y colorista del amanecer. Escritas al final de su etapa húngara, ambas obras ocupan un lugar significativo en la evolución estilística del compositor. Ligeti señaló que en ellas puede observarse su progresivo alejamiento de la influencia de Bartók y la aparición de procedimientos que adquirirían una importancia fundamental en su música posterior, como la polifonía compleja, la formación de clusters y la superposición de diferentes superficies y planos sonoros.