Morelia: Julio I. Cervantes, guitarra

Centro Mexicano para la Música y las Artes Sonoras, Morelia, Michoacán

1 estreno mundial y 5 estrenos en México

Programa

Julio Isaac Cervantes, guitarra

* Estreno mundial · ** Estreno en México

Personas compositoras

Guadalupe Perales

México, 1992

Maestra en Composición por el Conservatorio de Música de Tianjin, China. Interesada en la música electroacústica, el timbre, en las colaboraciones y creaciones colaborativas, así como en la música y cultura china de manera muy especial. Es cofundadora, arreglista e intérprete de pipa (laúd chino) en el dúo Jiemei (Hermanas) donde junto con Angélica Gómez Barrientos se dedica a la promoción de la música tradicional china en México. Desde 2021 es integrante de la colectiva Las Montoneras, dedicada a la difusión y promoción del quehacer musical de mujeres mexicanas, en la que se desempeña como compositora y coconductora del programa de radio Nada clásicas, de Opus 94. Fungió como coordinadora de Female FEC Artists: mujeres compositoras, intérpretes y artistas sonoras, así como de la sede Ciudad de México del Festival Expresiones Contemporáneas de 2020 a 2022. Fue representante de México en el 67º International Rostrum of Composers organizado por el International Music Council.

Nota al programa Del desapego y la impermanencia

Dedicada a Nayeli Bernabé, esta obra es una exploración íntima que se deriva de la reflexión en torno al dolor, al sufrimiento y el proceso del desapego. De carácter meditativo y contemplativo, la obra se percibe como una nube sonora que nos incita a la escucha con una actitud reflexiva.

Federico Núñez

Argentina, 1976

Federico Núñez es compositor, guitarrista e investigador argentino dedicado a la creación contemporánea. Su producción abarca música para diversas formaciones como música de cámara, escénica y electrónica, con una búsqueda centrada en el timbre, la espacialidad sonora y la expansión de los recursos instrumentales desde una perspectiva vinculada al pensamiento musical latinoamericano. Parte de su obra incorpora instrumentos prehispánicos, especialmente en la ópera mexica Otlatocaliztli. Doctor en Artes con especialización en Composición por la Universidad Nacional de las Artes (UNA), se formó con Guillermo Pozzatti y realizó estudios con Gerardo Gandini y Mario Lavista. Sus obras fueron presentadas en Argentina, México, Estados Unidos, Europa y Japón. Ha recibido distinciones como el Premio Municipal de la Ciudad de Buenos Aires y el Premio «Juan Carlos Paz», además de becas y residencias otorgadas por Fonca y AECID. Su catálogo es publicado por Cayambis Music Press (USA).

Nota al programa Five introspections

La obra explora cinco reflexiones musicales centradas en las posibilidades tímbricas de la guitarra y en la transformación de recursos técnicos instrumentales en material compositivo. Glissandi, tapping sobre notas repetidas, trémolos, trinos y armónicos no funcionan únicamente como técnicas extendidas, sino como elementos generadores sometidos a constantes procesos de desarrollo y resignificación. Cada movimiento investiga distintas relaciones entre gesto, resonancia y textura. Como culminación del ciclo, la quinta pieza emerge como síntesis y transformación final de los materiales precedentes, caracterizada por una pulsación continua de corcheas, la alternancia entre sonidos naturales y armónicos, y la progresiva superposición de los distintos elementos temáticos expuestos anteriormente. En términos de escritura, la obra requiere frecuentemente el empleo de dos pentagramas por sistema, con el fin de articular planos sonoros independientes y complejos comportamientos resonantes.

Erika Vega

México, 1987

Compositora y violinista que explora activamente temas de representación, interpretación, percepción y memoria, reflexionando con frecuencia sobre cuestiones sociales y políticas. Su práctica musical abarca la improvisación libre, la música de concierto, danza contemporánea, medios audiovisuales y teatro musical. Ha escrito obras para los ensambles Elision, Cepromusic y Curious Chamber Players, el cuarteto Sigma Project, el Aleph Guitar Quartet, la Filarmónica de Los Ángeles, la Royal Liverpool Philharmonic y el ensamble Proxima Centauri. Estudió en la UNAM, en la BUAP y en el Royal Conservatory de Bruselas. Es doctora por la Universidad de Oxford. Actualmente es miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte en México, reside entre Oxford y Bruselas y se desempeña como curadora de The World’s Music en Oxford, además de contribuir a la investigación académica en torno a la intersemiótica músico-literaria.

Nota al programa Y sueña que su sueño se repite

Inspirada en el fragmento del poema Muerte sin fin de José Gorostiza: «un instante, no más no más que el mínimo / perpetuo instante del quebranto». La obra se construye como un laberinto sonoro, evocando la imagen joyceana del laberinto de la conciencia, donde el pensamiento, como el sueño, no avanza en línea recta, sino que se repliega, se disgrega. Así como en Muerte sin fin la narrativa se dispersa y retorna, en Y sueña que su sueño se repite el tiempo musical se fragmenta y se repite, no para llegar a un destino, sino para habitar el desvío. Los armónicos de la guitarra, esos sonidos frágiles, casi espectrales, funcionan como sombras de un instante que no puede poseerse, solo vislumbrarse. Su repetición evoca la memoria del sueño, pero también su constante disolución. Más que contar una historia, esta obra se deja habitar como un espacio mental: un sueño que se repite dentro del sueño mismo. Un laberinto donde cada retorno es distinto, aunque parezca el mismo.

Mizky Bernal Miranda

Bolivia, 1991

Compositora, instrumentista y artista sonora con una Maestría en Arte sonoro. Su trabajo se centra en la exploración de la música contemporánea y experimental. Su música ha sido difundida por distintas emisoras, festivales, en colaboración con diversos solistas, ensambles y orquestas de renombre. En 2025 participó como compositora invitada en el Festival Internacional De Arte Sonoro de TSONAMI en Chile, del 5º International Workshop for Young Composers AntiquaNova en Argentina, el Festival Für Zeitgenössische Iberoamerikanische Musik de Suena Festival en Viena, en el concierto Meditaciones del Conservatorio Profesional de Música de Salamanca, España, en el Acto de Sonar del Festival de Música Contemporánea de Colombia, la International Computer Music Conference en Boston, en el Darmstädter Ferienkurse en Alemania y en el XXII Festival Internacional de Música Contemporánea PUCV-Darwin Vargas en Chile.

Nota al programa Tres-Cuatro

Es una pieza para guitarra preparada compuesta originalmente en 2018 para cuarteto de guitarras y recompuesta en 2025 para guitarra sola. La obra conserva en su título la huella de ambas versiones: el cuatro señala su origen colectivo, mientras que el tres remite a las tres cuerdas entorchadas, cuya sonoridad áspera, densa y resonante se vuelve núcleo constructivo de la nueva escritura. La obra articula texturas inestables, espectros abrasivos y zonas de fricción sonora que convierten el color en forma y la materia en estructura. En este sentido la versión de 2025 constituye una recomposición radical de su lógica sonora. Uno de sus rasgos más singulares es que el guitarrista anuncia en voz alta las partes de la obra, incorporando la palabra como gesto performativo y estructural. La obra invita, así, a una escucha en la que el sonido expone su propia arquitectura.

Pedro Castillo Lara

México, 1974

Compositor, director y gestor cultural. Su obra abarca música instrumental, electroacústica y mixta, con presentaciones en América y Europa. Se formó en México y Francia, y obtuvo una Maestría en Composición en la Universidad París 8 y estudios en Cevran, Miromesnil y Nanterre. Fundador del proyecto internacional Muslab, ha impulsado la difusión de la música electroacústica en colaboración con más de treinta instituciones. Ha dirigido el Ensamble Muslab, Voces Latinas de París y la orquesta de la UAM Xochimilco, explorando repertorios que van del canto gregoriano a la creación contemporánea. Su trabajo se caracteriza por una búsqueda poética del sonido como espacio de pensamiento, cuerpo y resonancia. Miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte, combina creación, dirección y pedagogía en una visión transdisciplinaria que articula tradición, tecnología y transformación social.

Nota al programa Capricho

Es la primera obra para guitarra sola del compositor, compuesta en 2006 como resultado de un encargo de Mario Mary para el ciclo Música por ordenador de la Universidad París 8. La pieza propone un cruce entre la libertad estructural del capricho clásico, la fuerza rítmica del flamenco y la gestualidad física de la música contemporánea. Con una escritura precisa, cada gesto instrumental es explorado como impulso expresivo. No se trata de narrar, sino de articular una dramaturgia sonora tensa y vital, construida a partir de texturas contrastantes, dinámicas extremas y silencios cargados. Estrenada por Bertrand Chavarría en París y posteriormente interpretada por José Benítez en España, Capricho se proyecta como una obra que abre el catálogo del compositor con una afirmación estética clara y una voz propia dentro del repertorio contemporáneo para guitarra.

Rosalba Quindici

Italia, 1976

Su obra abarca desde la música instrumental y vocal hasta el teatro musical, caracterizada por una exploración personal de la dimensión sinestésica (que incluye la danza), de la cual crea y organiza los diversos componentes. Su investigación compositiva se centra particularmente en la construcción de la escucha fenomenológica y la experimentación personal con el timbre en la voz y los instrumentos. Su música es interpretada regularmente por importantes instituciones y en los festivales Musikfestival Bern, Bienal de Múnich, Verso Traiettorie de Parma, Nuova Consonanza de Roma y Rondò de Milán, entre otros. Licenciada en Piano, Composición y Filosofía, profundizó sus estudios en Italia con Corghi, Gervasoni y Sciarrino y realizó un doctorado en fenomenología en la Universidad Federico II de Nápoles y en Suiza con Dayer.

Nota al programa Preludio

Marca el primer paso de la exploración personal de Quindici sobre la guitarra clásica, centrándose en particular en las posibilidades del sonido continuo. La compositora ha trabajado el potencial tímbrico de la guitarra adoptando una especie de suspensión del estilo de interpretación convencional del instrumento. De hecho, la guitarra se sostiene verticalmente entre las piernas del intérprete, con el diapasón frente a él, y se toca no solo con los dedos, sino también con un arco de violonchelo. El uso del arco, además de producir una calidad tímbrica distinta, permite la creación de un sonido continuo que se opone dialécticamente a la naturaleza discontinua de los sonidos tradicionales pulsados del instrumento. Formalmente, sin embargo, la obra se estructura en torno a una polifonía de gestos, que se repiten cíclicamente, basada en notas repetidas, pizzicato, trinos y glissandos armónicos.

Arturo M. Zanabria

México, 1993

Su trayectoria está respaldada por 17 premios nacionales e internacionales en las áreas de composición, guitarra y música de cámara. Entre los reconocimientos más destacados se encuentran el Premio de la Juventud 2022, otorgado por el Gobierno de la Ciudad de México y el Premio Nacional de Composición Orquestal Raíces en 2020. Realizó estudios de Composición y Guitarra en la Facultad de Música de la UNAM, donde obtuvo el título con honores en ambas licenciaturas. En 2018 fue beneficiario de la beca de la Fondation Turquois para estudiar guitarra durante un año en el Principado de Mónaco. En 2019 recibió la beca de la Cátedra Extraordinaria Arturo Márquez de composición musical, y en 2024 obtuvo la beca Jóvenes Creadores del Fonca. Es docente en la FaM y miembro del Cuarteto Kuikani, Xika ensamble y el Dúo Xalpa.

Nota al programa Cauchemar

«Es una obra que busca evocar una sensación inquietante, inspirada en una serie de pesadillas experimentadas durante un periodo específico de mi vida. La pieza propone una transmediación de dichas vivencias oníricas mediante la exploración tímbrica de la guitarra, empleando un arco de violín y una scordatura inusualmente grave».

Panayiotis Kokoras

Grecia, 1974

Es catedrático de Composición y director del CEMI de la Universidad del Norte de Texas. Su música se ha interpretado en más de mil conciertos por todo el mundo a cargo de reconocidos conjuntos, orquestas y solistas. Sus composiciones utilizan el sonido como única unidad estructural. Su concepto de textura musical holófona describe su objetivo de que cada sonido independiente (fono) contribuya por igual a la síntesis del todo (holos). Tanto en la escritura instrumental como en la electroacústica, su música se caracteriza por un virtuosismo sonoro, una escritura hiperidiomática que enfatiza la producción precisa de diversas posibilidades sonoras y la correcta distinción entre un timbre y otro para transmitir las ideas y la estructura musical de la pieza. Su producción compositiva también se nutre de la investigación musical en estrategias de recuperación de información musical, técnicas extendidas, sonido táctil, hiperidiomaticidad, robótica, sonido y conciencia.

Nota al programa Slide

Los colores (sonidos) no se usan porque sean fieles a la naturaleza, sino porque son necesarios para la imagen particular (composición).

Wassily Kandinsky (1912)

Slide es una pieza para guitarra clásica y electrónica que explora las características inusuales del lenguaje sonoro de la guitarra. Utilizando técnicas como rascar, golpear y romper cuerdas y combinándolas con objetos poco convencionales como slides de latón o vidrio, baquetas o cepillos de metal, el compositor crea un sonido único y detallado. Cada momento es cuidadosamente elaborado para crear una estructura dramática coherente, donde cada gesto justifica al siguiente y al anterior, uniendo frases, secciones y la composición misma. Con la ayuda de herramientas digitales, se aíslan y transforman fragmentos de sonido para revelar momentos que el oído difícilmente percibiría normalmente.

Hebert Vázquez

Uruguay, 1963

Estudió composición con Mario Lavista, Lukas Foss, Leonardo Balada y Stephen Chatman. Posee un Doctorado en Composición por parte de la Universidad de la Columbia Británica (Canadá). Ha obtenido varios premios y distinciones nacionales e internacionales a lo largo de su carrera, entre los que destaca una beca de la John Simon Guggenheim Memorial Foundation 2008, una nominación a los 18th Annual Latin GRAMMY Awards en la categoría de mejor obra/composición clásica contemporánea en 2017 y la presea Vasco de Quiroga, otorgada por la UMSNH en 2018. Ha sido miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte en cuatro ocasiones, de 1999 a la fecha. Su obra, interpretada en Europa, América y Asia, ha sido grabada por el Cuarteto Arditti, el Ensemble Nomad, el dúo Damiana, Ónix Ensamble, Ensamble 3 y los guitarristas Norio Sato, Gonzalo Salazar y Juan Carlos Laguna, principalmente para las disqueras Urtext y Quindecim Records.

Nota al programa Ángel del abismo

«Habrá sido alrededor de 2011, en uno de mis viajes a Tokio, cuando el guitarrista Norio Sato, con quien colaboro intensamente desde hace varios años y a quien está dedicada la pieza, me preguntó si tenía algo escrito para guitarra y electrónica. Aunque le dije que no y él no insistió en el asunto, la idea me quedó rondando en la cabeza. Al fin, en 2013, me decidí a materializarla, gracias al apoyo de mi amigo Rodrigo Sigal, quien generosamente me abrió las puertas del CMMAS, y de la invaluable asistencia técnica de Jorge Alba. Si bien en el Apocalipsis se hace referencia a Abadón, el ángel del abismo sin fondo, yo estoy pensando en Beatriz, la de la Divina Comedia, quien ayuda a Dante a ascender al paraíso, después de que el poeta recorriera los nueve círculos del infierno, así como el purgatorio, en compañía de Virgilio».

Intérprete

Julio Isaac Cervantes

Estudió la Licenciatura en Música en la Facultad de Artes de la UMSNH bajo la tutela de Eva Pleskova y Hebert Vázquez. También con Horacio Uribe, Alejandro Escuer, Luis Jaime Cortez y Gonzalo Salazar. Se ha presentado en los festivales Internacional Pa’lo Escrito, Aires en 2023-2025, Expresiones Contemporáneas y Visiones Sonoras, así como en el Foro Internacional de Música Nueva Manuel Enríquez (FIMNME). Su obra se ha interpretado en Aires-2019, Laboratorio Sonoro Centro Occidente, FIMNME, Panel de Lectura Sigma Project Quartet-Festival Callejón del Ruido y en el Festival Internacional de Arte Sonoro Monteaudio21. Fue ganador del Primer Encuentro Nacional de Arte y Cultura Somos Universitarios de la UAQ en 2014 y del Concurso de Composición de Música para Guitarra 2015. Ha sido becario del Programa Acompañarte y de Resiliencia Sonora. Recibió el reconocimiento a la Excelencia Académica Coparmex 2019.