Dirén Checa, violín

«Esta pieza es un acto de solidaridad con la gente de Palestina que ha sido violentamente desplazada de su tierra durante décadas por el ejército de Israel, gracias al financiamiento de las potencias del mundo occidental. Muchas de las víctimas, al ser obligadas a dejar su hogar, aunque la casa sea destruida, conservan la llave como un recordatorio de su derecho de retorno, una deuda que se les debe, una esperanza que permanece y se hereda en las familias de generación en generación. El primer gran éxodo que sufrieron fue en 1948, la llamada Nakba (en árabe, catástrofe). Desde entonces los despojos no han parado. Los símbolos de resistencia palestina —la llave, la sandía como bandera, la sonrisa frente a un arresto, los cantos y el baile— son imágenes combativas llenas de vida. Este optimismo resiliente que se expresa como un aferrarse a la vida, incluso frente al genocidio que sufren desde octubre de 2023, es una especie de milagro. Esta pieza busca evocar eso».

Es una miniatura de seis minutos creada por Saariaho como homenaje tras el fallecimiento de Witold Lutoslawski. Sin embargo, no hace referencia a la obra del maestro polaco, sino que utiliza material del concierto para violín Graal théâtre, en el que trabajaba en aquel momento. El estreno de Nocturno corrió a cargo de John Storgårds el 16 de febrero de 1994 en Helsinki. Lejos de ser una obra menor, Nocturno es una de las demostraciones más concisas e íntimas del arte de Saariaho, que consiste en dejar emerger una voz singular del bullicio del mundo en una danza ascendente y vibrante, hasta que la oscuridad la envuelve de nuevo.

«Objetos, plantas, animales; no más que patrones en nosotros mismos; habitamos un volumen definido por nuestro movimiento a través del tiempo. Una sombra que permanece en todos los lugares que pisamos, cada tacto un nicho en su superficie, cada nutriente una gota que la permea. Tras nosotros, caminos entrelazados una y otra vez por tensión y cariño; sus formas perfectamente adecuadas a la de los demás; ningún espacio queda vacante. Líneas, sonidos, gestos; no más que patrones en sí mismos. Las dimensiones del violín acogen pequeños seres autopoiéticos que, bailando, se entrelazan. Revolotean cambiando la posición del arco, deslizando la mano y aligerando la presión de los dedos, siempre nutridos del continuo enérgico que cubre cada momento; ningún espacio queda vacante».

En la obra escuchamos una melodía que se desprende de una textura gris, borrosa, que gradualmente se va aclarando, para, finalmente volver a su lugar de origen. Escuchamos un llanto que se ha quedado guardado muy dentro; se escucha por un momento y, de manera irremediable, vuelve al lugar de donde salió.

En la obra el violín trasciende su condición instrumental para convertirse en un cuerpo sonoro que respira, se tensa y se transforma. Inspirada en la obra de Francisco Toledo, la pieza no pretende ilustrar imágenes, sino pintar con sonido. Como en la pintura del artista oaxaqueño, la materia, el gesto y la atmósfera son el centro de la experiencia. A través de diez miniaturas, el violín despliega un universo de texturas donde el arco puede ser plumilla o machete y cada sonido parece surgir de una materia viva, rugosa y cambiante. Más que una narración, la obra propone una sucesión de fragmentos y resonancias que exploran el tiempo como sustancia. Compuesta en 2024 con el apoyo del Sistema Nacional de Creadores de Arte y escrita para el violinista Abel Romero, la obra es una invitación a adentrarse en lo desconocido desde el umbral mismo del sonido.

Es una de las obras más reconocidas de Feldman, compuesta en 1981 como un homenaje al célebre compositor estadounidense Aaron Copland, cuya influencia en la música del siglo XX fue fundamental. Esta pieza es un ejemplo del estilo típico de Feldman, que se caracteriza por su atmósfera introspectiva y su exploración de texturas sonoras. La obra presenta una estructura no convencional, enfocándose en la dinámica sutil y el uso del silencio, lo que invita a los oyentes a una experiencia auditiva contemplativa. Feldman utiliza un lenguaje musical minimalista, con elementos repetitivos y una paleta tímbrica rica, que refleja la sensibilidad de Copland hacia el paisaje sonoro americano. Para Aaron Copland es una obra que encapsula la esencia de la música de Feldman, celebrando la creatividad y la innovación en la composición, al tiempo que rinde homenaje a un maestro que influyó en su propia carrera y en la música contemporánea.

«Nació por encargo del violinista Richard Schmoucler, que propuso unir obras alrededor de la Segunda Partita de Bach, especialmente la Chacona, y pidió que mi pieza empezara con la nota final, el re. La obra tiene cuatro partes, cada una inspirada en una forma ostinata histórica: carillón, passacaglia, ground bass y chaconne, cuatro variaciones sobre tema, proceso armónico u otro parámetro. Añadí electrónica: sonidos preparados activados por el intérprete y transformaciones en tiempo real, distintas en cada parte. Frise jaune es un preludio-improvisación sobre re, con armónicos y campanas electrónicas (carillón). Frise de fleurs usa un ground bass que enriquece sus acordes hacia lo lírico. Pavage trabaja transformaciones matemáticas del material, como un empedrado metamórfico. Frise grise es una procesión solemne: passacaglia con pizzicati de la mano izquierda en tres cuerdas y melodía en la cuarta, descendiendo de mi a sol hasta volver al re en doble cuerda».